Les Eyldar et l’eau, c’est une longue histoire. Les maisons eyldarin ont presque toutes un bassin. Mais attention: pas la piscine qui pue le chlore: plutôt ce genre de truc (lien en anglais).
Alias
Les vêtements qui détectent la pollution
Les vêtements qui détectent la pollution
Vous voyez, dans l’univers de Tigres Volants, les vêtements européens prévus pour virer au jaune en cas de radioactivité?
On n’en est plus très loin, puisqu’il existe des vêtements qui changent de couleur avec la pollution de l’air (lien en anglais).
L’intercepteur orbital soviétique “Uragan”
L’intercepteur orbital soviétique “Uragan”
Cet article (en anglais) évoque en détail un hypothétique intercepteur orbital russe pour contrecarrer la navette militaire américaine X-37B.
Quel rapport avec Tigres Volants? Le fait qu’un projet soviétique, lui aussi hypothétique, d’intercepteur orbital aurait existé dès 1988.
Tristania: Rubicon
Je suis perplexifié. La raison de ma perplexifitude a pour nom Tristania et, plus précisément, le dernier album de ce groupe norvégien, intitulé Rubicon. Le motif de cette perplexifimacation est qu’entre le nom du groupe, le fait que ce soit un groupe de métal scandinave avec une chanteuse et l’illustration de la pochette, je m’attendais à un énième avatar plus ou moins réussi de Nightwish, du métal à chanteuse nordique lambda.
À la place, j’ai droit à… je ne sais pas trop quoi, au juste. Du métal, certes; avec un chanteuse, j’en conviens. Mais pas que. Et, surtout, une musique qui navigue assez loin des standards du genre. En fait, on est plus proche d’un métal beaucoup plus gothique, genre Paradise Lost ou The Gathering (période Mandylion). Mais pas que.
Pourtant, avec “Year of the Rat”, on a droit à un morceau d’introduction dans le presque plus pur style “Walt Disney-métal” à base de métal mélodique et de chanteuse (la remarquable Mariangela Demurtas, originaire de Sardaigne). La chanson suivante, “Protection”, plus folk, peut également passer pour sortie du moule classique. “Patriot Games” marque déjà un tournant dans l’album avec un morceau dominé par les vocaux forts goths du petit nouveau Kjetil Nordhus, qui s’était déjà illustré dans Green Carnation.
Cet Alias, quel Flattr!
Les plus éveillés d’entre vous auront sans doute noté l’apparition d’un bouton “Flattr” sur les colonnes de ce blog. Mais si, là, à droite, un peu en-dessous de ma pseudo-tête (je n’ai plus assez de cheveux pour réellement ressembler à ça, mais j’aime bien cet avatar). Ceux d’entre vous qui, en plus d’être réveillés, ont également …
Pallas: XXV
Pour vous parler de XXV, dernier album des Britanniques de Pallas, il va encore falloir que je vous narre une belle histoire de tonton Alias ou, à tout le moins, remonter dans le temps jusqu’à cette époque où le néo-prog était presque à la mode. En 1986, Pallas sort The Wedge, un album qui contraste avec la production habituelle du genre par une section rythmique hyperactive et une énergie proche du métal. Un de mes albums préférés, mais hélas le dernier pour Pallas avant une dizaine d’années.
Hélas encore, les nouveaux albums du groupes, sortis à un rythme homéopathique depuis, ne m’ont jamais convaincus. Jusqu’à ce XXV, qui semble être la suite du concept-album The Sentinel, premier vrai album du groupe sorti en 1984. Il y a vingt-cinq ans, donc; d’où le titre. Et là, dès l’intro, j’y crois: grosse rythmique qui poutre, claviers très électroniques qui me rappellent un peu Saga, extraits d’émission radio-télé pour poser l’ambiance: ça y est, je tiens le nouveau The Wedge!
Ou pas.
Soyons clair, XXV n’est pas un The Wedge-bis. J’aurais bien aimé, mais ce n’est pas le cas. Cela dit, question qualité et style, c’est pas loin et c’est largement le plus convainquant des albums de Pallas de ces dix dernières années. Le groupe a repris des couleurs et surtout renoué avec un goût certain pour la virtuosité. Niveau compositions, ce n’est pas toujours ça (disons surtout qu’il y a pas mal de bidules qui me font grincer des dents ou bâiller très fort), mais les musiciens n’ont eux pas oublié par quel bout on tient un instrument.
Chiko, l’Héritière de Cent-Visages
Je viens de finir une série japonaise pas banale: Chiko, l’héritière de Cent-Visages. Pas banale par ses thèmes, sa construction et la toile de fond historique. Commençons par cette dernière: l’action se déroule dans le Japon des années 1950-1960, pendant la reconstruction du pays. Et, contrairement a beaucoup d’animés que je connais, il n’occulte en rien cette période: les personnages adultes sont issus de la guerre et ont leurs démons et psychoses nés des évènements.
Sa construction ensuite: si la série semble se placer dans la droite ligne des histoires de gentlemen-cambrioleurs façon Lupin III, à travers le personnage de Cent-Visages, elle bascule brusquement après un tiers, avec massacre de la presque totalité des seconds rôles et un retour à la case départ (ou presque) pour Chiko, la jeune fille que Cent-Visages avait enlevé en même temps que le bijou qu’elle portait pour la soustraire à son empoisonneuse (au sens littéral) de tante et dont il avait fait son héritière.
Commence alors une période creuse où Chiko se rhabitue à une vie “normale”, tout en essayant d’échapper aux tentatives d’assassinat orchestrées par sa chère tante. Elle est entraînée par une des amies d’école dans un plan de “demoiselles détectives” qui est l’alibi officiel du générique de fin (autant dire qu’avant la moitié de la série, on se demande bien le rapport avec la choucroute), avant que l’histoire ne bascule une seconde fois avec une chasse à l’héritage réel de Cent-Visages.
Mon pote San-Antonio
Ces jours, j’ai retrouvé un vieux pote, un certain San-Antonio. Un type extra, du genre qui se prend pas la tronche avec des imparfaits du subjonctif avec double arbre à came en tête, ni avec des détails comme la vraisemblance ou les bonnes mœurs. Flic, mais pas du genre pénible; pas une tanche non plus, hein? Services secrets, as du tir et de la castagne; la crème. Et du genre doué de la langue. Oui, à l’écrit aussi.
Trente ans qu’on se connaît, lui et moi; plus que ça, même! Plus qu’un pote: une inspiration! Ah, je m’en suis enfilé, de ses aventures rocambolesques, à Pantruche et ailleurs! J’en ai retenu un goût prononcé pour le calembour foireux, la métaphore acrobatique et les comparaisons qui font claquer les plombages. Oh, on s’était bien un peu perdu de vue ces dix dernières années; lui a perdu son père/double, moi j’avais ma petite vie, mes petits écrits à moi. Mais je le savais pas loin, toujours à portée de pogne en cas de besoin.
Et puis il y a eu cette nouvelle édition. Collection “Bouquins », chez Robert Laffont. Du lourd: 1200 pages le volume, du genre huit à dix épisodes la pièce: tout ce qui faut pour les longues soirées d’hiver. Et j’ai replongé. Je suis reparti en virée avec mon vieux pote à travers la France et la Belgique – et même avec un crochet par Genève, tant qu’on y est. On s’est raconté nos souvenirs. Sans surprise, les siens sont plus chouettes. Du polar, peut-être; de l’espionnage, aussi; limite du pulp, en fait, l’humour en plus: la guerre, la Résistance, les Services secrets, les machinations improbables, les méchants biens tordus, les belles pépées toujours plus ou moins fourbes.
Sicitur Adastra: New Beat in a Dead World
À l’écoute de New Beat in a Dead World, premier album du groupe hongrois Sicitur Adastra, je me dis qu’une féroce compétition est en cours entre la Scandinavie et l’Europe de l’Est pour le titre de groupe de métal le plus barré. Bon, soyons clair, ce n’est pas le death métal mélodique à tendance progressive marquées qui va menacer des groupes comme Diabolical Masquerade, Spiral Architect ou Indukti, mais c’est quand même un candidat de poids dans la bagarre.
Et quand je dis “de poids”, j’entends par là qu’aussi travaillé et mélodique soit-il, le métal de Sicitur Adastra (pour les latinistes, c’est du Virgile, Énéide, chant 9: sic itur ad astra, “c’est ainsi qu’on s’élève vers les étoiles”) c’est du lourd de chez lourd. Alors certes, on a droit à un joli “Intro” au piano et de belles nappes de clavier, mais ce n’est pas exactement ce qui saute aux oreilles en premier lieu. Grosses guitares, section rythmique massive, vocaux growlés: ça percute, ça hurle et ça meule; je ponce donc je suis.
Le seul, vrai gros défaut de cet album, c’est qu’il est très court: un poil plus de quarante minutes, si on compte l’arnaque de “Outro”, qui affiche onze minutes au compteur, mais qui compte surtout plus de huit minutes de bruit blanc. Je dois avouer comme beaucoup être perplexe face à cette habitude qu’on certains groupes d’ajouter des plages de silence à la fin de leurs albums, le plus souvent pour ajouter une “morceau caché” – sauf que, dans le cas présent, il est tellement bien caché qu’on ne l’entend pas.
Danemark rôliste, morne plaine
Si j’en crois l’exemple d’Århus, deuxième ville du Danemark où je viens de passer deux jours, le jeu de rôle au Danemark, c’est 75% de D&D, 20% de Monde des Ténèbres, 4% de Warhammer et 1% de reste. Un peu comme partout, mais pire: dans les boutiques que j’ai visitées, il y a en tout …
En direct de ma tête au Danemark
Décor: quelque part entre l’aéroport et le centre-vile d’Århus, au Danemark. Une lande vallonnée, à l’herbe jaunie par le froid, constellée de hameaux et de quelques plaques de neiges et étangs gelés ça et là. Au loin, des éoliennes et un soleil d’hiver qui, en cette fin d’après-midi, est déjà bas dans le ciel et peine …
“Rue des Maléfices”, de Jacques Yonnet
C’est l’ami Loris qui, lors de notre dernier périple parisien, m’a passé Rue des Maléfices, unique livre de Jacques Yonnet. Pendant un petit mois, l’ouvrage a traîné sur mes étagères, où je lui jetais de temps à autre un œil torve, rendu méfiant par sa couverture pour roman noir de bas étage.
J’ai sans doute fait dans ma vie de plus grosses erreurs de jugement, mais je préfère ne pas m’en souvenir.
Car une fois ouvert, ce bouquin m’a happé en trois pages, guère plus. Entraîné dans un univers aussi exotique que familier: Paris. Oh, pas le Paris de ce début de IIIe millénaire, mais celui du milieu du XXe siècle, entre 1940 et 1966. Un Paris décrit par un amoureux de la ville qui, par nécessité autant que par curiosité, se retrouve à en explorer les quartiers populaires avec tout ce qu’il compte de mystères et de fantastique.
Tudieu quel voyage et quelle claque! On croirait un livre écrit par le père spirituel de Nicolas Bouvier, Jacques Bergier et Louis Pauwels: on y retrouve cette verve descriptive à la première personne et ses paysages et personnages si authentiques et pourtant si bizarres du premier et les pointes du réalisme fantastique des seconds (auteurs du Matin des Magiciens).
Qui a éteint Internet?
Parmi les vieux articles ressuscités, j’ai retrouvé un intitulé « L’Internet est vide, allez-vous en! ». Coïncidence amusante, je lisais ce matin dans mes flux RSS un article “Peut-on éteindre l’Internet?” signé Stéphane Bortzmeyer sur OWNI.
Scott Pilgrim vs. the World
Je n’ai pas pu voir le film Scott Pilgrim vs. the World au cinéma. La faute à plein de choses pas vraiment de mon ressort, comme l’incurie des distributeurs – à commencer par Universal, qui a attendu six mois (et la sortie DVD aux USA) avant de distribuer le film en Europe. Et après, l’industrie du cinéma s’étonne du téléchargement illégal. Pour ma part, étant bête, mais discipliné (sûrement plus bête que discipliné d’ailleurs), j’ai acheté le DVD et c’est donc dans le relatif confort de mon chez-moi, avec potes et chats (mais sans pop-corn), que nous avons regardé l’objet.
“L’OVNI” serait plus juste. Car si la bande dessinée Scott Pilgrim est déjà passablement barrée, son passage en film contient plusieurs niveaux supplémentaires de bargeitude. À commencer par le fait qu’il reprenne certains des codes de la BD: les petites vignettes explicatives qui accompagnent les personnages, les onomatopées (façon série télé Batman des années 60) et quelques autres éléments du genre. Ça, plus les codes des jeux vidéos, à commencer par le logo Universal du début, retravaillé façon jeux 8-bit.
J’avais quelques craintes quant à la capacité du film de condenser en deux heures les six volumes de la bande dessinée, mais, à vrai dire, le mode de narration est différent et passe très bien ainsi. Au lieu d’être une chronique qui se déroule sur plusieurs mois, entrecoupée de bagarres homériques, le film est une succession de bagarres homériques se succédant à un rythme accéléré, entrecoupée de saynètes explicatives aux transitions hyperboliques. Mais qu’est-ce qui n’est pas hyperbolique dans ce film, où les protagonistes passent à travers les murs ou explosent en laissant derrière eux une pluie de pièces?
Ombres des billets passés
La grande nouvelle du week-end, c’est une nouvelle version – plus performante et avec une interface plus agréable – de la Wayback Machine, le moteur de recherche de l’Internet Archive.
Secret Sphere: Archetype
Si Archetype est le sixième album que les Italiens de Secret Sphere ont produit en un peu plus de dix ans, c’est un album qui vient de beaucoup plus loin. Certes, son style est de base un power-métal symphonique raisonnablement moderne, mais il y a dans sa musique une bonne dose d’ADN plus ancien, des ancêtres qui s’apparentent aux Prophet, Triumph ou Joshua que j’écoutais quand j’étais jeune.
Pas que ce soit un mal en soi – sinon que ce sont tout de même des souvenirs qui remontent au temps où il y avait encore un Mur de Berlin – mais c’est pour dire qu’aussi agréable que soit l’écoute de cet Archetype, l’album mérite un peu son nom: il ne faut pas trop y chercher de l’originalité à tout crin.
Peut-être pas très original, mais diantrement efficace; au reste, le power-métal est un genre qui, à mon avis, pardonne beaucoup à ceux qui savent jouer sur l’énergie et la compétence musicale. Dans le domaine, les musiciens de Secret Sphere ne sont pas des manchots et on notera par exemple des claviers très inspirés, comme sur “The Scars That You Can’t See”, morceau en demi-teinte qui calme un peu les ardeurs des deux brûlots initiaux que sont “Line of Fire” and “Death From Above”.
Goblin War Machine
En fait, la xénophobie, ça peut être rigolo. Témoin le petit jeu en Flash Goblin War Machine. Bien sûr, de même qu’on peut rire de tout, mais pas avec tout le monde, il y a l’art et la manière; Big Block Games a choisi le thème de l’humour décalé pour ce side-scroller où vous contrôlez une improbable machine de guerre gobelin partie écraser les villages humains en ricanant.
Au fur et à mesure que les massacres s’empilent, on peut améliorer sa machine de guerre: plus gros châssis, plus gros canon, meilleurs amortisseurs et plus grosses roues. Certaines manœuvres spéciales permettent de faire monter un multiplicateur du score, le but étant évidemment d’obtenir, en plus des crânes nécessaires à l’amélioration de la machine, un gros score. Évidemment, en face, l’opposition est de plus en plus organisée et retorse, opposant à votre machine de guerre des armes secrètes toujours plus dangereuses.
Déjà, en soi, ce petit mélange et beat’em-all et de Car Wars a un côté hautement distrayant, mais le petit plus, c’est l’humour des textes (en anglais): ne manquez surtout pas, à la fin de chaque tableau, la biographie des monarques absurdes que vous avez écrasés et, surtout, ce qui est arrivé aux survivants (ou absence d’iceux). Mention spéciale aux historiens qui, à la suite de la tragédie, vont enquêter sur les anachronismes ambiants et finiront par faire s’effondrer la réalité, la remplaçant par la version ennuyeuse du Moyen-Âge que l’on connait aujourd’hui.
Con comme un xénophobe, édition suisse
Avertissement préalable à mes lecteurs d’outre-Jura: ce billet contient de la politique suisse. Et non, ce n’est pas un oxymore.
Amberian Dawn: End of Eden
Parfois, quand j’achète un album moyen, mais prometteur, j’ai de bonnes surprises en écoutant le suivant. Parfois pas. End of Eden, nouvel album des Finlandais d’Amberian Dawn, rentre dans cette seconde catégorie. Pour être plus précis, cet album n’apporte pas grand-chose de neuf par rapport au très anecdotique The Clouds of Northland Thunder que j’avais chroniqué il y a un peu plus d’un an.
Bon, ce n’est vrai que globalement: il y a tout de même quelques différences notables. D’abord, au niveau musique, j’ai l’impression que le métal symphonique d’Amberian Dawn s’est bonifié: plus complexe, plus travaillé, moins “Nightwish de la fin des années 1990”. Le problème est que, dans le même temps, c’est la voix qui ne suit plus; pour être plus précis, ce n’est pas la voix elle-même (Heidi Parviainen est toujours une excellente soprano), mais la place que cette dernière a dans l’orchestration.
Globalement, j’ai l’impression que la production est le gros, gros point faible de End of Eden. Pris séparément, la musique et le chant sont impeccables, mais c’est dans l’assemblage que ça pêche. Bon, c’est peut-être aussi que je commence à être sérieusement fatigué de cette mode des chanteuses lyriques associées à des groupes de métal, mais j’ai vraiment l’impression que, dans ce cas, la mayonnaise ne prend pas. Ou plus, c’est selon.